Ao longo da faculdade de arquitetura (e da carreira profissional também), elegemos os nossos ‘heróis’- arquitetos cujas obras nos inspiram e com os quais nos identificamos.  Eu já tive alguns heróis nesta minha trajetória (Rem Koolhaas, Peter Zumthor, Louis Kahn…) mas destes, o arquiteto Richard Meier foi o primeiro a chamar a minha atenção.  Seus projetos residenciais influenciaram fortemente as minhas primeiras maquetes, com suas superfícies brancas, traços retos, formas puras e grandes transparências.

Visitar o Getty Center me trouxe lembranças deste meu primeiro contato com a arquitetura. O Getty, contudo, difere bastante destes projetos residenciais, sobretudo por conta da escala. O complexo cultural, com uma área de aproximadamente 10,000m², abriga um detalhado programa que inclui um centro de pesquisas com biblioteca, a sede administrativa do instituto, salas expositivas contendo o grande acervo do J. Paul Getty trust, espaços de exposições temporárias, além de mais 12,000m² de jardins. Há críticos que até avaliam a escala gigantesca do complexo como um gesto de ‘hubris’, um ato extrema arrogância, típica da produção arquitetônica dos anos 90.

Implantação e acesso

O Getty está situado no topo de um morro (Santa Monica Mountains), um gesto que por si só já eleva a importância da arte na paisagem.  Esta implantação remete aos grandes centros antigos, que também possuíam uma localização de destaque e predominância na cidade, como é o caso da Acrópole de Atenas, na Grécia. O complexo desfruta, portanto, de uma ampla visibilidade sobre o horizonte infinito de Los Angeles.

Sendo Los Angeles a cidade do automóvel, o acesso é pensado a partir do carro. O museu fica afastado do Centro, no norte da cidade.  Para chegar lá, pega-se uma avenida expressa e, ao adentrar o complexo, somos logo direcionados ao estacionamento. Dalí, pegamos o elevador para a plataforma do bonde, que então nos levará ao museu.  Uma clara separação da cidade e o início de um movimento de ascensão para a arte.

Morfologia e espacialidade

O museu é distribuído em blocos independentes agrupados ao redor de uma praça.  É possível visitar a exposição em ordem sequencial, passando de um bloco expositivo ao outro, ou então escolher a sua própria ordem de visitação a partir de entradas que dão diretamente para a praça central. Esse gesto é próprio do movimento moderno, que acaba com a hierarquia de uma única entrada e estabelece um fluxo mais democrático através de múltiplos acessos.

Dentro da influência do modernismo, verificamos aqui a linguagem do purismo geométrico.  Os blocos de exposição são cubos de arestas fortes e claramente demarcadas.  Estes por vezes são parcialmente escavados, o que traz uma alternância entre o cheio e o vazio.  Ou seja, apesar de diferirem entre si em termos de morfologia, os cubos não perdem as semelhanças uns com os outros graças aos contornos bem definidos e a materialidade em comum.

O círculo também se faz presente na composição, como vemos no bloco principal de acesso. Ao longo dos demais blocos, também verificamos segmentos curvos que rompem com a predominância da linha reta.

Outra premissa do modernismo aqui empregada, e muito característica da obra de Meier, é a existência de grandes aberturas para a entrada de luz natural; uma característica emblemática, que está presente desde as suas pequenas células residenciais aos grandes projetos.  Além da iluminação, as janelas ao longo dos corredores permitem olhar para o próprio edifício.  Ocorre então um movimento de autocontemplação, um momento de admiração da obra.

Os blocos são revestidos em mármore travertino. No exterior, as superfícies claras das fachadas refletem a luz de forma quase violenta.  Chega a ser difícil andar sem óculos escuros. No interior, a textura da pedra sob a luz traz uma dramaticidade que novamente remete às antigas construções do império Romano. De fato, o mármore aqui empregado é provindo de Bagni di Tivoli, na Itália.  O processo de extração e recorte das peças era tão artesanal que o arquiteto enviou uma equipe para trabalhar na pedreira durante um ano para garantir um acabamento de qualidade.

Os espaços expositivos são o extremo oposto do invólucro, o que de fato chegou a ser um problema durante a concepção do projeto.  O projeto de interiores não foi assinado por Meier, mas pelo arquiteto Thierry Despont. Ao contrário de Meier, cuja composição utiliza referências do moderno combinadas ao clássico, Despont busca inspiração na arquitetura francesa do século XVIII. Como a maior parte das obras do acervo varia do renascimento ao impressionismo, a decoração se utiliza de cores fortes e ornamentos que entram em harmonia com as obras de arte. O acervo conta também com móveis e objetos da aristocracia francesa, então há salas que realmente recriam o ambiente da época. Chega a ser estranho você adentrar um prédio modernista e encontrar um interior no estilo rococó.

Conflitos no processo

Não são poucos os casos de projetos que resultaram em conflitos entre o arquiteto e o cliente.  O Getty Center é um exemplo emblemático disso. Em seu livro, o crítico Martin Feller conta brevemente como foi a saga da construção do museu e o impacto que este projeto teve na carreira do arquiteto.  Um processo árduo que transformou o sonho de qualquer arquiteto em uma grande dor de cabeça. Foram tantos os desgostos e desentendimentos que posteriormente à inauguração, Meier escreveu um livro intitulado “Building the Getty”, no qual ele relatou o processo pelo seu ponto de vista e narrou as suas desavenças e frustrações com o Instituto.

Feller analisa que, depois da experiência do Getty, talvez pelas suas frustrações ao longo do processo, o arquiteto optou por seguir um caminho mais seguro nos seus projetos. Menos ousado, Meier desenvolveu um estilo que oferecia uma previsibilidade e estabilidade, por vezes até mesmo desejada pelos seus clientes e investidores.  São projetos menos inovadores que se apoiam em soluções já exploradas e acabam produzindo um efeito ‘já visto’. Richard Meier, um arquiteto tão promissor na sua juventude (foi o arquiteto mais jovem a ganhar o prêmio pritzker com apenas 49 anos), tornou-se uma opção mais conservadora entre os seus contemporâneos, como Renzo Piano. Com o tempo, Meier deixou de ser a referência absoluta em arquitetura de museus, e o papel foi assumido por ninguém menos do que o próprio Piano.